La otra cara de la misma moneda

[Crítica de Maléfica (2014)]



Por Anxie Brennan


Un villano nace por algo, una causa o factor desencadenante. Un villano tiene su origen, su motivo, su por qué en el mundo (en nuestro mundo también). Con esta premisa nace Maléfica, una nueva versión de Disney muy alejada de la película animada, dirigida por Robert Stromberg y protagonizada por una Angelina Jolie que estremece.

Gol de media cancha

[Reseña de Metegol (2013)]


Por Juan Pablo Pugliese



Juan José Campanella vuelve al ruedo con la primera película de animación en la historia del cine argentino. Si bien es una coproducción con España, Metegol es un producto que transpira argentinidad por cada uno de sus poros.

El segundo regreso del Caballero Oscuro

[Review de Batman: The Dark Knight Returns, Part 2 (2013)]



Si la primera parte dejó satisfechos a los fanáticos de Batman, esta segunda parte viene a confirmar que la película animada, inspirada en la gran obra de Frank Miller, es una gran adaptación de uno de los mejores cómics de todos los tiempos.  

El cine como terapia

[Review de Waltz with Bashir (2008)]


Por Juan Pablo Pugliese

Ganadora del Globo de Oro a la mejor película de lengua no inglesa en 2008 y nominada en la misma categoría para los Oscar, el film dirigido, escrito y protagonizado por el creador de En terapia (adaptada por HBO y la Televisión Pública), Waltz with Bashir fue el primer documental animado en la historia del cine.

En 1982 ocurrió una terrible matanza en Sabra y Chatila en la que miles de refugiados palestinos fueron masacrados a manos de falangistas cristianos libaneses bajo la atenta vigilancia de la milicia israelí sobre los campos de refugiados invadidos. 

El director israelí Ari Folman cumplía el servicio militar en el ejército en ese momento. Veinte años después descubre que su cerebro ha bloqueado todos sus recuerdos sobre la tragedia y emprende un viaje para reconstruir el rompecabezas y poner al descubierto el papel de las fuerzas armadas de su país en lo que sucedió.  

De esta manera, desfilarán compañeros, periodistas y testigos y compartirán sus historias para que Folman pueda rearmar sus recuerdos y revivir aquellos días que cambiarían su vida para siempre pero que se mantuvieron enterrados en lo más profundo de su inconsciente. El director no entiende cómo pudo haber olvidado su entrada al campo de refugiados en los que tuvo lugar la masacre. 

Como toda película israelí, fue prohibida en los países árabes y en su país de origen no tuvo demasiado éxito. La crítica especializada se mantuvo dividida y para algunos fue considerada una obra de arte imprescindible. Otros la tomaron como un intento de limpiar la imagen de Israel y por el contrario, hubo otros que la recibieron como crítica de los valores del pueblo judío. 

El documental transita dos caminos bien diferenciados. El primero es el relato de los sueños y de las alucinaciones que se recrean con un alto grado de veracidad pero con una paleta de colores surrealista. Por otro lado, a medida que Folman realiza ese viaje de autoconocimiento, los recuerdos irán apareciendo y podrá reconstruir los lugares en los que estuvo. 

Al tratarse de una animación, el director imprimió un estilo de cómic que a veces transita por la imaginación y lo onírico pero cuando narra hechos que sucedieron en el Líbano los dota de una realidad inigualable. 

Folman decide finalizar el documental con imágenes reales de la masacre y sacar, de esta manera, al espectador de aquellas secuencias animadas en las que se ve inmerso para decirle que lo que sucede delante de sus ojos tuvo lugar en el mundo real.

Asimismo, la música estuvo a cargo del compositor alemán Max Richter. Con una mezcla de sonidos clásicos y electrónicos logra acentuar el drama y resaltar aquellas escenas de acción que van tomando forma a lo largo del metraje. Además de la música compuesta por Richter, aparecen algunos clásicos de los ochenta como Enola Gay del grupo inglés OMD, entre otras. 

En síntesis Waltz with Bashir es un excelente documental de animación que trata sobre la memoria y el lugar que ocupan los recuerdos en nuestra vida. Esa memoria como algo dinámico que va cambiando con el correr de los años y que a veces nos juega una mala pasada.

Ficha técnica:

Título Original: Waltz With Bashir
Dirección: Ari Folman
Guión: Ari Folman
Género: Documental.
Origen: Francia, Estados Unidos, Alemania, Suiza, Israel, Finlandia, Australia, Bélgica.
Año de estreno: 2008
Duración: 90 minutos
Reparto: Ari Folman, Ron Ben-Yishai and Ronny Dayag.
Web: http://waltzwithbashir.com/

Con gustito dulce*

[(Crítica de Frankenweenie (2012)]

Mal que le pese a muchos, hay que reconocer que la filmografía de un realizador como Tim Burton tiene una mística fascinante, sea cual fuera el tema que toque. Frankenweenie (2012) se presenta limpia, mágica, sin errores, como si la historia nunca hubiera sido contada, tocada o retocada. Una versión de Frankenstein aniñada e inmaculada con homenajes y reminiscencias a otras películas, incluso las propias.

Victor Frankenstein (Charlie Tahan) es un niño un poco científico y bastante gótico que atraviesa una de las peores tragedias por las que puede pasar un chico: la muerte de su mascota. Su relación con su perro Sparky era tan estrecha que en medio de la desesperación decide regresarlo a la vida en su pequeño laboratorio. Mediante los conocimientos en ciencias que adquirió en la escuela, lleva a cabo el experimento con éxito, pero nadie debe enterarse. El problema surge cuando su secreto se descubre y es revelado a sus compañeros.

Fiel al corto del mismo nombre que el propio Burton creó para Disney en 1984, esta nueva lectura del monstruo de Frankenstein es un gran combo: el homenaje a El joven manos de tijera (Edward Scissorhands, 1990); el recuerdo de su tan querido ídolo Vincent Price a través del Dr. Rzykruski en la voz de Martin Landau, actor con quien ya trabajó anteriormente en Ed Wood (1994) y la recreación de su pueblo natal; las clásicas marcas burtonianas. Son visibles además las reminiscencias a películas como El hombre lobo (1935), La Momia (The Mummy, 1932) y el Drácula de 1958 interpretado por Christopher Lee .

De la misma manera que Victor reanima a su perro muerto, Burton revive uno de sus primeros cortometrajes pero esta vez en stop-motion, aunque conservando los colores blanco y negro. Aquella película que en su momento a la gente de Disney le pareció muy oscura, sale de su “ataúd” para reivindicarse a si misma y también a su creador, luego de la ambigüedad de Sombras Tenebrosas (Dark Shadows, 2012).

Con una banda sonora excepcional a cargo de Danny Elfman y personajes de rasgos tétricos, el film combina a la perfección una trama escalofriante con características tiernas y emotivas, el balance justo para que pueda ser visto por buena parte de la audiencia infantil.

Burton, en esta ocasión, no tiene necesidad de recurrir al morbo de la sangre o la muerte física y visible para contar los hechos. Aquí su estética es más simbólica y todo se sabe y entiende, pero lo realmente mágico es poder ver a un creador en estado puro, aun aniñado, que rescata sus orígenes sin intenciones de disgustar a nadie, porque- hay que admitirlo- esta es una producción más bien comercial, alejada de la ya mencionada Ed Wood o de otra como La gran aventura de Pee-wee (Pee-wee's Big Adventure, 1985), pero sigue siendo fiel a su estilo de autor, aquel que sumerge al espectador en los mundos fantásticos de sus “hijos” freaks.

Frankenweenie, otra obra maestra que seguramente no será tomada como tal por el gran público, es una película no dramática que le imprime el humor y a veces la sátira a personajes más que detestables. Un viaje hacia el mundo de lo fantástico y los sueños con final feliz (un rasgo atípico en la filmografía de Burton). Graciosa, tierna y muy impregnada del maravilloso mundo de Disney: la familia unida, la casa segura y las historias que desbordan amor. Quizá por esto haya sido finalmente aceptada por la gran corporación.

4/5
SI


Ficha técnica:

Dirección: Tim Burton
Guión: John August, Tim Burton
Género: Animación
Origen: Estados Unidos
Clasificación: ATP
Distribuidora: Disney
Reparto: Winona Ryder, Catherine O'Hara, Martin Landau, Martin Short, Charlie Tahan, Atticus Shaffer, Robert Capron, Conchata Ferrell


*Crítica escrita para Escribiendocine

Zombies simpáticos*

[Crítica de ParaNorman (2012)]

La sobrenatural e intrépida comedia de horror ParaNorman (2012), dirigida por Chris Butler y Sam Fell, transporta al espectador al pueblo de un chico incomprendido y con claridad sostiene que los verdaderos enemigos no son los muertos sino los vivos. Una entretenida ficción en stop-motion y en 3D para toda la familia.

Norman (en la voz de Kodi Smit-McPhee) es un chico diferente del resto. Puede ver a los muertos e incluso hablar con ellos. Por este motivo está sujeto siempre a la burla de sus compañeros de colegio. De repente algo transforma su vida: aparece su tío para contarle sobre la maldición de una bruja que la noche siguiente despertará y levantará a sus muertos de las tumbas. Para impedir un apocalipsis zombie él deberá leer un libro en el féretro de la hechicera, pero nada será demasiado fácil.

En esta animación se nota a las claras la colaboración de Laika, el estudio fabricante de contenidos animados de los creadores de Coraline y la puerta secreta (Coraline, 2009), una obra maestra de Henry Selick , quien se lució también con El Extraño Mundo de Jack (The nightmare before Christmas, 1993) para Tim Burton. Por este antecedente es que se pueden encontrar algunos pequeños signos estéticos de la filmografía burtoniana y bienvenidos sean, porque no desentonan en absoluto.

Más allá de esto, ParaNorman no es una película oscura sino todo lo contrario. Si bien está sumida en el universo zombie y parodia las películas de terror de bajo presupuesto, el encanto del argumento está en que tiene divertidos toques de humor y los muertos vivos resultan ser amigables con el entorno, subrayando así la clásica actitud errónea de los seres humanos para con ellos.

Este film, que no cuenta con voces de actores reconocidos, se destaca por su frescura, su visión infantil de los monstruos y por los sobresaltos de Jon Brion, responsable de la banda sonora que le otorga un buen ritmo al relato.

Esta no será como las grandes producciones de Disney, Pixar o Dreamworks, pero merece una mención y seguramente sabrá ganarse su público. Divertida, alocada y equilibrada en todos sus aspectos. No desentona, no exagera y no empalaga.

3/5

SI

Ficha técnica:

Dirección: Chris Butler, Sam Fell
Guión: Chris Butler
Género: Animación, Aventura
Origen: Estados Unidos
Duración: 92 minutos
Distribuidora: UIP
Reparto: Leslie Mann, Anna Kendrick, Christopher Mintz-Plasse, Casey Affleck, John Goodman, Kodi Smit-McPhee, Jodelle Ferland, Bernard Hill, Jeff Garlin


*Crítica escrita para EscribiendoCine

El regreso del caballero oscuro

[Review de El caballero oscuro (The Dark Knight Returns, Part 1, 2011)]

Por Juan Pablo Pugliese

Hasta hace poco Warner Bros. poseía una división que se encargaba de realizar películas animadas basadas en los superhéroes de la DC. El año pasado se estrenó Año Uno, basada en el cómic del gran Frank Miller, que contaba la historia de Bruce Wayne y “Jim” Gordon desde los inicios de sus carreras.

El pasado septiembre llegó otra de las grandes obras de Miller: El regreso del caballero oscuro. Este cómic, divido en dos partes, nos trae a un Bruce Wayne de 60 años que, tras colgar la capa, se dedica a correr carreras de autos y a tomarse un whisky de vez en cuando con su amigo James Gordon.

Todavía afectado por la muerte de Jason Todd, Wayne pasa sus días recordando la tragedia que cambió su vida para siempre y viendo cómo su ciudad se cae a pedazos por unos malosos que se hacen llamar mutantes. Asimismo, Harvey Dent se muestra recuperado física y psicológicamente y listo para reinsertarse en la sociedad.

Al igual que Año Uno, El regreso del caballero oscuro es una joya. Hace poco Frank Miller manifestó en una entrevista su intención de realizar una película con actores de carne y hueso sobre este famoso cómic que apareció en 1986. Hasta pensó en Sylvester Stallone como el tipo que encajaría perfecto para ese Batman de la tercera edad. 

Con la aparición de este cómic se demostró que estas obras también podían tener un contenido que resultara atractivo para el público adulto. Fue Stephen King el que dijo que El regreso del caballero oscuro es probablemente la mejor obra de cómic jamás publicada. 

Y no es casualidad que en una escena en donde Gordon entra a un mini mercado se vean en una repisa las ediciones de Watchmen y V de Venganza, otros cómics que apuntaron a un público adulto y que tuvieron también su versión cinematográfica. 

Pero por ahora nos tenemos que conformar con esta versión animada que resultó ser una verdadera maravilla. Cuadro por cuadro se reproduce la historieta que para muchos es considerada la mejor que se hizo sobre el encapotado. 

Para la voz de Bruce Wayne y Batman se eligió a Peter “Robocop” Weller. Un regreso impresionante para el actor que supo ponerle onda a un robot policía en la década de los ‘80. Y otro que se las trae es Michael Emerson, Ben de Lost, que le prestará su voz al Joker en la segunda parte.

Y si bien en esta primera parte estrenada hace un mes Batman se enfrenta al líder de los mutantes y sale a pasear con un batimóvil que es literalmente un tanque, en la segunda parte a estrenarse el próximo año se viene lo mejor. Para no echar a perder las sorpresas a aquellos que no leyeron el cómic, sólo vamos a decir que aparecerá el guasón y se llevará a cabo una pelea épica que tiene como protagonistas al caballero de la noche y al hijo de Jor El. 

Ficha técnica:

Título Original: Batman: The Dark Knight Returns, Part 1
Dirección: Jay Oliva
Guión: Bob Goodman.
Estreno (Argentina): 25 de septiembre de 2012.
Género: Acción, aventura.
Origen: Estados Unidos
Duración: 76 minutos.
Actores: Peter Weller, Ariel Winter, Wade Williams, Dee Bradley Baker y Michael Emerson.

El nuevo Drácula

[Crítica de Hotel Transylvania (2012)]


Si algo le faltaba a Hollywood o, mejor dicho, al género de animación, era otra producción que recree una vez más y reivindique a los grandes clásicos del cine de terror, o más bien, todo aquello que en su momento nos dio pavor.

Hotel Transylvania es el caso, pero no recurre al miedo en lo absoluto. Estamos ante una producción animada que explora y se ríe (sin burlarse) de los monstruos y criaturas más representativas del cine de terror clásico. Porque aquellos freaks son así, tan devastadores y significativos para su época y por eso tan perdurables en el tiempo, que es casi inevitable no resucitarlos en alguna película.

Aunque sea otro el foco del actual film, la cinta hace una nueva e interesante lectura de Drácula, el monstruo de Frankenstein, el Hombre Lobo, el Hombre Invisible y la momia, entre otros. 

Y esto no resulta anormal; ya hemos sido testigos de producciones que llevaron nuevamente a la gran pantalla a aquella momia escalofriante de Boris Karloff en una película que se convirtió en una saga de tres partes y cuya tercera entrega terminó siendo un fracaso: La Momia (1999), La Momia regresa (2001) y La Momia: La tumbra del Emperador Dragón (2008), exceptuando El Rey Escorpión (2002), la precuela de la primera entrega de esta franquicia de películas, que en realidad se basó más en la leyenda de un  feroz rey que de las momias en sí. 

También pudimos ver en pantalla grande una nueva versión –más cruda y violenta- de Frankenstein en 1994, dirigida por Kenneth Branagh, quien además actúa y protagonizada por un sobresaliente Robert De Niro.  

No se puede dejar de mencionar al mil veces representado Drácula de Bela Lugosi o el Nosferatu, encarnado anteriormente por el inquietante Max Schreck (en alemán es “miedo”), cuya leyenda personal sigue en vigencia aun hoy. Ambos supieron instalar la famosa duda de si un vampiro es lo mismo que un murciélago. ¡Qué tiempos aquellos! Aunque es en estos tiempos en que tanto Lugosi como Schreck estarían revolcándose en sus tumbas al ver que la modernidad los ha convertido en vampiros púberes y poco creíbles. En Hotel Transylvania hay un guiño muy gracioso sobre esto. 

El Hombre Lobo tampoco se salvó de tales representaciones. Una serie de remakes y sátiras cómicas de éxito moderado se vieron en el cine, hasta la última revisión de la criatura, protagonizada por Benicio del Toro (2010) que prometió más de lo que fue. 

Así sucesivamente hasta caer en las grandes mezclas y conjunciones no del todo fallidas como Van Helsing (2004) de Stephen Sommers y protagonizada por Hugh Jackman.

En este marco surge Hotel Transylvania, un poco de sátira, otro poco de terror animado para chicos y con un trasfondo conmovedor… todo esto con calidad.

Aunque resultó innecesaria la utilización del 3D, la película es fresca y divertida. Su trama, aunque simple, devela las preocupaciones y sobreprotecciones reales de los padres a los hijos: el gran Conde de Transylvania construye un gran hotel con un doble propósito; por un lado, albergar a todos los monstruos que desean descansar del mundo humano; y por el otro, resguardar a Mavis, su hija ya adolescente y deseosa de explorar el mundo exterior que cree hostil. 

En el transcurso de la película veremos mucho color, luces y música moderna en contraposición al castillo de arquitectura antigua y las vestimentas de la época. Pero el film no se equivoca al mezclar estos dos polos opuestos, sino todo lo contrario. El director Genndy Tartakovsky, un animador ruso y mentor de El laboratorio de Dexter, The Powerpuff Girls, Samurai Jack, Star Wars: Clone Wars y Sym-Bionic Titan, supo construir una historia que seguramente captará una buena parte de público por su atractivo visual y sonoro.

Hay otros aspectos renovadores: aparece una hija de Drácula, también la esposa del monstruo de Frankenstein, los miles de hijos que en algún momento tuvo el Hombre Lobo y demás incorporaciones simpáticas. 

Hotel Transylvania no brinda demasiada profundidad, pero sí una tierna moraleja. Disponible también en versión doblada, pero aquellos que quieran disfrutar de las voces originales de Adam Sandler, Fran Drescher y Selena Gomez podrán hacerlo con subtítulos. 

Una película entretenida para toda la familia con la cual nadie se aburrirá. Una buena manera, además, de que los más chicos aprendan un poco sobre el cine clásico pero sin un gramo de miedo. ¿Qué mejor que eso?. 

3/5
SI


Ficha técnica:

Título Original: Hotel Transylvania
Dirección: Genndy Tartakovsky
Guión: David I. Stern, Dan Hageman, David I. Stern
Género: Animación
Origen: Estados Unidos
Duración: 91 minutos
Clasificación: ATP
Distribuidora: SONY PICTURES
Reparto: Adam Sandler, Steve Buscemi, Andy Samberg, Kevin James, Molly Shannon, David Spade, Fran Drescher, Selena Gómez, Jon Lovitz, Brian George, CeeLo Green

Un cuento sobre cohetes, estrellas y sueños*

[Crítica de La máquina que hace Estrellas, (2011)]

El director Esteban Echeverría logró crear un largometraje nacional de animación digno de compararse con las grandes producciones extranjeras. Un argumento atractivo y muy humano tanto para chicos como para adultos, que no decae en ningún momento y con un trabajo estético que resalta en cuanto a la fotografía, los escenarios imaginarios y la imponente banda sonora.

Pilo Molinet es un niño cuyo hogar es un cinturón de asteroides y donde se pasa el día mirando las hermosas estrellas que rodean su pueblo. Su abuelo siempre le cuenta que esos astros luminosos son creados por una máquina: la máquina que hace estrellas. Según la profecía, algún día ese aparato se dañará y, para conservar la tradición, un integrante de su familia será el responsable de repararlo. Pilo sueña todos los días con ese momento para poder viajar a conocer esa famosa máquina. Lo que no se imagina es que será una tarea complicada y llena de peligros.

Sin llegar a ser futurista ni recurrir a los localismos de las películas argentinas, el film resulta ser más universal y atemporal con reminiscencias –hay que reconocerlo- a Robots (2005) de Fox.

Sin embargo, la película se descubre original desde el comienzo y se enfoca en el universo imaginario no sólo de Pilo, sino de cualquier chico. Las ilusiones, el soñar despierto, las aventuras y los juegos, la amistad, los ancestros y las historias en forma de cuentos, remiten a una atmósfera que todos sentirán familiar y cálida.

Destacable resulta también la fusión entre elementos de la ciencia ficción y las tecnologías antiguas: por un lado, las naves espaciales a vapor, las maquinas con enormes engranajes, los robots a cuerda, y, por el otro, hologramas, asteroides que cobran vida y mucho más,  lo que convierte a la película en una  fábula espacial.

La máquina que hace estrellas es una historia para toda la familia acerca de los valores y las tradiciones. ¿El mensaje?... Cada uno existe para cumplir un propósito en la vida y, sobre el destino… nunca hay que forzarlo. Un largometraje animado y en 3D ¿Qué mejor que eso con un toque argentino?

4/5

SI

Ficha técnica:

Dirección: Esteban Echeverria
Guión: Esteban Echeverria, Gerardo Pranteda
Estreno (Argentina): 30 Agosto 2012
Género: Animación
Origen: Argentina
Duración: 75 minutos
Clasificación: ATP
Distribuidora: Primer Plano
Reparto: Lucila Gomez, Pablo Gandolfo, Valeria Gomez, Alejandro Outeyral, Marcelo Armand, Victoria Ramos
Web: http://www.lamaquinaquehaceestrellas.com/

*Crítica escrita para EscribiendoCine

Tintín, el joven periodista aventurero

[Review de Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio. (The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn, 2011)]

Por Juan Pablo Pugliese

Otro frío fin de semana me acechaba. Me dirigí hacia el videoclub Venus para dejarme sorprender. Esta vez me incliné por Las aventuras de Tintín, película que me arrepentí de no haberla visto en el cine y que, de hecho, no logro recordar por qué fue esa mi decisión. 

Un aviso general antes de adentrarme en el mundo del joven periodista: si bien sabía quién era Tintín, nunca me acerqué a un cómic. Así que si hay algún fundamentalista leyendo esto, le advierto que sólo me voy a remitir a esta película y sepa disculpar si cometo algún error.

En Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (2011), el periodista Tintín y su perro Milú descubren que en la maqueta de un barco descansa un gran secreto. Perseguidos por el maloso Ivan Ivanovitch Sakharine, el joven, su perro y un capitán borrachín llamado Haddock irán en busca del legendario barco El Unicornio que, según la leyenda, contendría una valiosa fortuna y sería objeto de una maldición. 

Bajo la dirección de Steven Spielberg y la producción Peter Jackson, Las aventuras… fue realizada con la técnica de captura de movimiento. Según los entendidos, para esta técnica se filma a los actores con electrodos conectados a una computadora para luego convertirlos a la animación. 

Con la ayuda de Jackson, quien tiene una amplia experiencia en este tema con Gollum en la saga de El señor de los anillos (2001, 2002, 2003) o el gorila gigante en King Kong (2005), realizaron un entretenido film que recuerda mucho al mejor cine de aventuras de Spielberg. Es imposible no comparar al pelirrojo con Indiana Jones. En efecto, el mismísimo Spielberg se habría inspirado en el personaje creado por el belga Hergé para darle vida al arqueólogo. 

Para el papel de Tintín pensaron en Jaime Bell, el pebete bailarín de Billy Elliot (2000) y quién mejor para el capitán Haddock que el multifacético Andy Serkis quien tal vez sea el actor con más horas de captura de movimiento. 

El villano estuvo en manos de Daniel Craig, el nuevo James Bond y los policías Hernández y Fernández estuvieron a cargo de los comediantes ingleses Simon Pegg y Nick Frost respectivamente. 

Después de 40 años de su última aparición en el cine, Tintín volvió de la mano de uno de los mejores directores de cine de aventuras y no defrauda. Los 109 minutos pueden hacerse algo pesados para los más impacientes pero es una aventura que vale la pena. Además la música del gran John Williams acompaña de forma magistral cada escena que compone la película. 

A no confundir, la versión de Spielberg y Peter Jackson es una versión bastante personal. Para los que no tuvimos la posibilidad de acercarnos al cómic no hay problema pero sus lectores pueden sentirse un poco desilusionados. 

Por su lado, los fanáticos aseguran que la mejor adaptación fue la que se estrenó en los ´90 en HBO en donde la investigación ocupaba un papel más importante que la acción. Cosa que ocurre exactamente al revés en la versión de Spielberg.

Tal vez el error fue mezclar en el mismo largometraje las tramas de El secreto del Unicornio, El cangrejo de las pinzas de oro y El tesoro de Rackham, el Rojo.

Sin embargo, polémica aparte, Las aventuras de Tintín es una gran película que entretiene y que comienza con una presentación increíble hecha en formato 2D para abrirse paso y asombrarnos con cada una de sus escenas que remite al mejor cine de aventuras.

Ficha ténica:

Título original: The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn

Título: Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio

Dirección: Steven Spielberg

Guión: Edgar Wright, Joe Cornish, Steven Moffat

País: Estados Unidos, Bélgica, Nueva Zelanda

Año: 2011

Duración: 109 min.

Género: Animación, Aventuras, Intriga

Calificación: ATP

Reparto: Daniel Craig, Simon Pegg, Cary Elwes, Jamie Bell, Andy Serkis, Nick Frost, Toby Jones, Tony Curran, Mackenzie Crook, Sebastian Roché, Daniel Mays, Ron Bottitta, Gad Elmaleh, Phillip Rhys, Mark Ivanir, Sana Etoile, Jacquie Barnbrook, Sonje Fortag, Enn Reitel, Kim Stengel, Ian Bonar, Joe Starr, Mohamed Ibrahim Elkest

Distribuidora: Sony Pictures

Productora: Paramount Pictures, Columbia Pictures, Amblin Entertainment, WingNut Films, Kennedy/Marshall Company, The, Nickelodeon Movies

Web: www.tintin.com

Los fugitivos más graciosos

[Crítica de Madagascar 3: Los fugitivos (Madagascar 3: Europe’s most wanted, 2012)]

Llena de música y de color, se nos presenta esta tercera entrega de los animales de Madagascar, con nuevos y divertidos personajes que aportan la novedad y con una nueva villana (Capitana Chantel DuBois) excelentemente presentada con la voz y el acento francés de Frances McDormand.

Una vez más, la idea es llegar al zoológico, su hogar natal, pasando por un nuevo destino: Italia. En el camino, conocerán a los graciosos animales de un circo venido a menos. Alex, Marty, Gloria y Melman tendrán que hacerse pasar también por animales cirqueros y aprovechar la ayuda de estos nuevos amigos. 

De esta manera, el director Eric Darnell, junto con el guionista Noah Baumbach, buscaron enriquecer el conflicto con la funcionaria de Control de Animales, con un tigre en decadencia, con una leopardo acróbata sensual y con una foca que desborda ternura, sin olvidarnos de la osa con triciclo (la única que no habla en la película) de la que se enamora el rey Julien.

Con una banda sonora increíble que mezcla canciones actuales con la clásica banda sonora de la película, esta tercera parte se presenta totalmente renovada con el plus de los guiños hacia reconocidos films como Matrix (1999 - 2003) y Terminator (1984 – 2009), pero sin perder el humor sano y su verdadera esencia, hecho que muchas veces ocurre casi sin querer. 

Madagascar 3: Los fugitivos (Madagascar 3: Europe’s most wanted, 2012), recomendable para disfrutar en 3D y dueña de una magia y fuerza inigualables, manteniendo las voces de Ben Stiller, David Schwimmer, Chris Rock y Sacha Baron Cohen, entre otros, que parecen seguir funcionando a la perfección. 

¿Habrá una cuarta entrega?. Veremos qué pasa. Esta tiene todos los elementos para ser la última.

4/5

SI

Ficha técnica: 

Título original: Madagascar 3: Europe’s most wanted. 

Dirección: Eric Darnell, Conrad Vernon y Tom McGrath

Guion: Noah Baumbach. 

País: USA.

Año: 2012. 

Género: Animación, aventuras, comedia.

Doblaje original: Ben Stiller (Alex), David Schwimmer (Melman), Jada Pinkett Smith (Gloria), Chris Rock (Marty), Frances McDormand (capitán Chantel), Jessica Chastain (Gia), Andy Richter (Mort), Sacha Baron Cohen (rey Julien XIII). 

Producción: Mireille Soria y Mark Swift. 

Música: Hans Zimmer.

Distribuidora: Paramount Pictures Spain. 

Estreno en USA: 8 Junio 2012. 

Web: http://www.madagascarmovie.com/