Un pedazo de historia argentina*

[Crítica de El día que cambió la historia (2012)]

A poco tiempo de cumplirse 67 años del famoso 17 de octubre de 1945, hoy bautizado como el Día de la Lealtad; con sencillez, humildad y un cálido respecto a la clase trabajadora, Jorge Pastor Asuaje y Sergio Pérez construyen un documental como pocos en torno a la temática.

Con la conjunción de conmovedoras imágenes de archivo, escenas de ficción con importantes actuaciones y los testimonios de los verdaderos testigos de los hechos, los directores le cuentan al espectador joven y le recuerdan al público mayor un buen trecho de historia desde fines del 1800 hasta la aparición de Juan Domingo Perón.

En 1871 la fiebre amarilla diezmó a la población de Buenos Aires y se creía que los responsables de dicho acontecimiento eran los mataderos por arrojar sus desechos al Riachuelo. Luego de esto, los grandes frigoríficos toman forma en el barrio de Berisso y es a partir de allí que la lucha de los obreros por mejores condiciones salariales y laborales tuvo gran protagonismo y a su vez las nuevas figuras políticas comenzaban a surgir: desde la doble elección de Hipólito Yrigoyen y su derrocamiento por José Félix Uriburu hasta el General que con su voz en la radio logró incentivar a los trabajadores para que salieran formalmente a pelear por sus derechos.

El film de 108 minutos es rico visualmente y nota a las claras un gran trabajo de investigación. Lo interesante también es la combinación de imágenes de archivo en blanco y negro en contraposición a las escenas en color interpretadas mayormente por un Lito Cruz bastante modesto y un Rubén Stella sobresaliente (que es más bien del palo del teatro). Estas imágenes ficcionalizadas se van intercalando además con los testimonios de los protagonistas reales de la época y se enriquecen con el relato de historiadores como Sergio Pujol, Roberto Tardetti y Osvaldo Bayer.

El día que cambió la historia (2012) será para algunos una clara muestra de ideología peronista, para otros estará quizá muy lejos de eso y para algunos otros simbolice un elemento de memoria, emoción y nostalgia. De lo que no cabe duda es que el broche de oro puesto sobre la figura de Perón como el instigador de uno de los más grandes cambios que se vivieron en la historia argentina está por sobre los demás personajes políticos, significando su aparición como la causante del título de este film.

La película reconoce su sencillez en la filmación casera y, en ocasiones, falta de luz; pero el material que recoge y la información con la que trabaja están por encima de esto. De 1871 a los grandes frigoríficos financiados por capitales británicos, hasta Yrigoyen y Perón… un gran progreso y un relato impecable con un potencial reivindicador, que además realza la figura de algunos héroes anónimos. En cuanto a los créditos finales, más de uno seguramente se conmoverá con la imagen que aparece después.

3/5
SI


Ficha técnica:

Dirección: Sergio Pérez, Jorge Pastor Asuaje
Guión: Jorge Pastor Asuaje, Sergio Pérez
Género: Documental
Origen: Argentina
Duración: 108 minutos
Clasificación: ATP
Distribuidora: Independiente
Reparto: Lito Cruz, Ruben Stella, Micaela Cruz, Amelia Bence

*Crítica escrita para EscribiendoCine

El regreso del caballero oscuro

[Review de El caballero oscuro (The Dark Knight Returns, Part 1, 2011)]

Por Juan Pablo Pugliese

Hasta hace poco Warner Bros. poseía una división que se encargaba de realizar películas animadas basadas en los superhéroes de la DC. El año pasado se estrenó Año Uno, basada en el cómic del gran Frank Miller, que contaba la historia de Bruce Wayne y “Jim” Gordon desde los inicios de sus carreras.

El pasado septiembre llegó otra de las grandes obras de Miller: El regreso del caballero oscuro. Este cómic, divido en dos partes, nos trae a un Bruce Wayne de 60 años que, tras colgar la capa, se dedica a correr carreras de autos y a tomarse un whisky de vez en cuando con su amigo James Gordon.

Todavía afectado por la muerte de Jason Todd, Wayne pasa sus días recordando la tragedia que cambió su vida para siempre y viendo cómo su ciudad se cae a pedazos por unos malosos que se hacen llamar mutantes. Asimismo, Harvey Dent se muestra recuperado física y psicológicamente y listo para reinsertarse en la sociedad.

Al igual que Año Uno, El regreso del caballero oscuro es una joya. Hace poco Frank Miller manifestó en una entrevista su intención de realizar una película con actores de carne y hueso sobre este famoso cómic que apareció en 1986. Hasta pensó en Sylvester Stallone como el tipo que encajaría perfecto para ese Batman de la tercera edad. 

Con la aparición de este cómic se demostró que estas obras también podían tener un contenido que resultara atractivo para el público adulto. Fue Stephen King el que dijo que El regreso del caballero oscuro es probablemente la mejor obra de cómic jamás publicada. 

Y no es casualidad que en una escena en donde Gordon entra a un mini mercado se vean en una repisa las ediciones de Watchmen y V de Venganza, otros cómics que apuntaron a un público adulto y que tuvieron también su versión cinematográfica. 

Pero por ahora nos tenemos que conformar con esta versión animada que resultó ser una verdadera maravilla. Cuadro por cuadro se reproduce la historieta que para muchos es considerada la mejor que se hizo sobre el encapotado. 

Para la voz de Bruce Wayne y Batman se eligió a Peter “Robocop” Weller. Un regreso impresionante para el actor que supo ponerle onda a un robot policía en la década de los ‘80. Y otro que se las trae es Michael Emerson, Ben de Lost, que le prestará su voz al Joker en la segunda parte.

Y si bien en esta primera parte estrenada hace un mes Batman se enfrenta al líder de los mutantes y sale a pasear con un batimóvil que es literalmente un tanque, en la segunda parte a estrenarse el próximo año se viene lo mejor. Para no echar a perder las sorpresas a aquellos que no leyeron el cómic, sólo vamos a decir que aparecerá el guasón y se llevará a cabo una pelea épica que tiene como protagonistas al caballero de la noche y al hijo de Jor El. 

Ficha técnica:

Título Original: Batman: The Dark Knight Returns, Part 1
Dirección: Jay Oliva
Guión: Bob Goodman.
Estreno (Argentina): 25 de septiembre de 2012.
Género: Acción, aventura.
Origen: Estados Unidos
Duración: 76 minutos.
Actores: Peter Weller, Ariel Winter, Wade Williams, Dee Bradley Baker y Michael Emerson.

El nuevo Drácula

[Crítica de Hotel Transylvania (2012)]


Si algo le faltaba a Hollywood o, mejor dicho, al género de animación, era otra producción que recree una vez más y reivindique a los grandes clásicos del cine de terror, o más bien, todo aquello que en su momento nos dio pavor.

Hotel Transylvania es el caso, pero no recurre al miedo en lo absoluto. Estamos ante una producción animada que explora y se ríe (sin burlarse) de los monstruos y criaturas más representativas del cine de terror clásico. Porque aquellos freaks son así, tan devastadores y significativos para su época y por eso tan perdurables en el tiempo, que es casi inevitable no resucitarlos en alguna película.

Aunque sea otro el foco del actual film, la cinta hace una nueva e interesante lectura de Drácula, el monstruo de Frankenstein, el Hombre Lobo, el Hombre Invisible y la momia, entre otros. 

Y esto no resulta anormal; ya hemos sido testigos de producciones que llevaron nuevamente a la gran pantalla a aquella momia escalofriante de Boris Karloff en una película que se convirtió en una saga de tres partes y cuya tercera entrega terminó siendo un fracaso: La Momia (1999), La Momia regresa (2001) y La Momia: La tumbra del Emperador Dragón (2008), exceptuando El Rey Escorpión (2002), la precuela de la primera entrega de esta franquicia de películas, que en realidad se basó más en la leyenda de un  feroz rey que de las momias en sí. 

También pudimos ver en pantalla grande una nueva versión –más cruda y violenta- de Frankenstein en 1994, dirigida por Kenneth Branagh, quien además actúa y protagonizada por un sobresaliente Robert De Niro.  

No se puede dejar de mencionar al mil veces representado Drácula de Bela Lugosi o el Nosferatu, encarnado anteriormente por el inquietante Max Schreck (en alemán es “miedo”), cuya leyenda personal sigue en vigencia aun hoy. Ambos supieron instalar la famosa duda de si un vampiro es lo mismo que un murciélago. ¡Qué tiempos aquellos! Aunque es en estos tiempos en que tanto Lugosi como Schreck estarían revolcándose en sus tumbas al ver que la modernidad los ha convertido en vampiros púberes y poco creíbles. En Hotel Transylvania hay un guiño muy gracioso sobre esto. 

El Hombre Lobo tampoco se salvó de tales representaciones. Una serie de remakes y sátiras cómicas de éxito moderado se vieron en el cine, hasta la última revisión de la criatura, protagonizada por Benicio del Toro (2010) que prometió más de lo que fue. 

Así sucesivamente hasta caer en las grandes mezclas y conjunciones no del todo fallidas como Van Helsing (2004) de Stephen Sommers y protagonizada por Hugh Jackman.

En este marco surge Hotel Transylvania, un poco de sátira, otro poco de terror animado para chicos y con un trasfondo conmovedor… todo esto con calidad.

Aunque resultó innecesaria la utilización del 3D, la película es fresca y divertida. Su trama, aunque simple, devela las preocupaciones y sobreprotecciones reales de los padres a los hijos: el gran Conde de Transylvania construye un gran hotel con un doble propósito; por un lado, albergar a todos los monstruos que desean descansar del mundo humano; y por el otro, resguardar a Mavis, su hija ya adolescente y deseosa de explorar el mundo exterior que cree hostil. 

En el transcurso de la película veremos mucho color, luces y música moderna en contraposición al castillo de arquitectura antigua y las vestimentas de la época. Pero el film no se equivoca al mezclar estos dos polos opuestos, sino todo lo contrario. El director Genndy Tartakovsky, un animador ruso y mentor de El laboratorio de Dexter, The Powerpuff Girls, Samurai Jack, Star Wars: Clone Wars y Sym-Bionic Titan, supo construir una historia que seguramente captará una buena parte de público por su atractivo visual y sonoro.

Hay otros aspectos renovadores: aparece una hija de Drácula, también la esposa del monstruo de Frankenstein, los miles de hijos que en algún momento tuvo el Hombre Lobo y demás incorporaciones simpáticas. 

Hotel Transylvania no brinda demasiada profundidad, pero sí una tierna moraleja. Disponible también en versión doblada, pero aquellos que quieran disfrutar de las voces originales de Adam Sandler, Fran Drescher y Selena Gomez podrán hacerlo con subtítulos. 

Una película entretenida para toda la familia con la cual nadie se aburrirá. Una buena manera, además, de que los más chicos aprendan un poco sobre el cine clásico pero sin un gramo de miedo. ¿Qué mejor que eso?. 

3/5
SI


Ficha técnica:

Título Original: Hotel Transylvania
Dirección: Genndy Tartakovsky
Guión: David I. Stern, Dan Hageman, David I. Stern
Género: Animación
Origen: Estados Unidos
Duración: 91 minutos
Clasificación: ATP
Distribuidora: SONY PICTURES
Reparto: Adam Sandler, Steve Buscemi, Andy Samberg, Kevin James, Molly Shannon, David Spade, Fran Drescher, Selena Gómez, Jon Lovitz, Brian George, CeeLo Green

Más vale pájaro en mano…

[Review de El gran año (The big year, 2011)]

Por Juan Pablo Pugliese

Resulta que en Estados Unidos el avistamiento de aves es todo un acontecimiento. Tal es así que hay un concurso en el que la persona que ve más plumíferos en un año gana una competencia que sólo se reconoce en una revista especializada. No hay premio y se basa en un antiguo código de honor. No hace falta evidencia alguna de los avistamientos. Sólo basta con la palabra del individuo.

En este mundo tres tipos algo diferentes entre sí competirán para ver quién consigue la mejor marca a nivel mundial. Por un lado, el personaje de Jack Black es un divorciado de 36 años que trabaja en una compañía y desde que tiene uso de razón sueña con pasarse todo un año avistando aves. Además tiene una extraña habilidad: reconoce el canto de cualquier pájaro. 

Por otro lado, Kenny (Owen Wilson) quiere mejorar su marca obtenida unos años atrás y no dudará en poner en riesgo lo que más quiere en el mundo para lograr su cometido. Y por último, el inoxidable Steve Martin le pone el cuerpo al empresario Stu. Luego de varios amagues decidirá retirarse para meterse de lleno en la competencia. 

Dirigida por David Frenkel, el mismo de la sobrevalorada El Diablo viste a la moda (2006) y la lacrimógena Marley y Yo (2008), El gran año es una comedia pero sólo en los papeles porque en la hora y media de duración sólo logra sacar un par de sonrisas. Tal vez debería haberse etiquetado con la polémica denominación de comedia dramática.

Las actuaciones de los tres protagonistas son buenas y lo son aun más las de las participaciones de reconocidos actores y de otros en ascenso. Anjelica Huston encarna a una guía que ya ha tenido sus problemas en el pasado con el personaje de Owen Wilson y Rashida Jones (la novia de Jim Harper en The Office). Será la mujer que desea conquistar Jack Black y John Cleese le presta la voz a un locutor que explica qué es El gran año. Dianne Wiest como la madre y la planeadora de los viajes de Black, Rosamund Pike es la esposa de Owen Wilson y Jim Parsons es el escritor de un blog que retrata el mundo de los fanáticos de las aves. 

Basada en la novela de Mark Obmascik, El gran año es una película que se disfruta pero hasta ahí nomás. Aquellos que la vean esperando una joya de la comedia se verán defraudados pero los que sepan de antemano que Frankel se encuentra en la silla del director pasarán un buen momento. 

En conclusión, El gran año es una película simple que trata sobre tres tipos en diferentes momentos de su vida que persiguen su sueño sin importar las cosas que dejan atrás y ni qué son capaces de hacer para lograr su cometido. 

Ficha técnica:

Título Original: The big year
Dirección: David Franel
Guión: Howard Franklin.
Estreno en cines (Argentina): 26 de abril de 2012
Estreno en DVD (Argentina): 22 de agosto de 2012
Género: Comedia
Origen: Estados Unidos
Duración: 100 minutos
Reparto: Jack Black, Owen Wilson, Steve Martin, Dianne Wiest, Brian Dennehy, Jim Parsons, Anjelica Huston, Rashida Jones, Kevin Pollak, Joel McHale, Tim Blake Nelson, John Cleese.
Web: http://www.thebigyearmovie.co.uk/

La venganza será terrible*

[Crítica de Resident Evil 5: La venganza (Resident Evil: Retribution, 2012)]

Con Resident Evil 5: La venganza (Resident Evil: Retribution, 2012) no se puede esperar algo muy distinto a lo que se venía viendo en las anteriores entregas, algo que el fanático de la saga seguramente sabe de antemano. Pero esta quinta parte, escrita y dirigida una vez más por Paul W. S. Anderson, dobla la apuesta, muta hacia otros subgéneros y no necesita seguir siendo fiel al video juego para valerse por sí misma y convertirse en una de las mejores películas de acción y, si se quiere, de zombies, después de las de George A. Romero.

Alice (Milla Jovovich) vuelve a despertar en uno de los centros clandestinos de Umbrella y la historia comienza exactamente donde culminó la película anterior. Un ralenti hacia atrás y la protagonista nuevamente relata lo ocurrido en el laboratorio de la compañía mediante el clásico “My name es Alice…”. Ella tendrá que enfrentar otra vez a quien desea aniquilarla y deberá luchar y tratar de escapar pasando por Washington, Nueva York, Moscú y Tokio como nuevos destinos. 

Repasando un poco la historia y el proceso, Resident Evil encierra una mística especial. Comenzó siendo un exitoso video juego de zombies que no daba miedo, sino una gran satisfacción por matar personas que ya estaban muertas. Con la película apareció el personaje de Alice (y se conservaron otros originales) y apareció además una clara crítica a la sociedad contemporánea y, para muchos, una discusión aun vigente en torno a las atrocidades que llevan a cabo algunas de las grandes corporaciones mundiales. 

La clonación, las mutaciones y los experimentos con el cuerpo estaban a la orden del día y el primer film que contenía el suspenso y el terror justos pasó a convertirse en toda una saga de pura acción, efectos especiales y algo de gore. Para muchos, Resident Evil no es lo que solía ser y ha perdido su esencia y seguramente los fanáticos del video juego estén indignados con las últimas entregas, pero hay que rescatar el trabajo de Anderson de crear cosas nuevas, de darle cada vez más vida a la historia, de la evolución de los personajes y de cómo los construye y reconstruye, haciéndolos aparecer cada vez que puede: la antigua amiga de Alice, Jill Valentine (Sienna Guillory), la teniente Rain Ocampo (Michelle Rodriguez) y el recordado Carlos, interpretado por un respetable Oded Fehr. 

Anderson, especialista en la ciencia ficción y en recrear historias de video juegos, se arriesga no ya a seguir hablando sobre el famoso y mortífero Virus T que hace dos películas se “comía” a poblaciones enteras, sino que encara al espectador desde el impacto en la primera escena con un increíble plano secuencia hasta el final con una extraordinaria y reveladora panorámica.

Si las cuatro entregas anteriores daban un respiro o un halo de esperanza, aquí ocurre todo lo contrario para dar un giro conceptual muy importante. Este quinto film es el más catastrófico y el menos optimista de todos. El terrorífico futuro que plantea, el devastador mundo que construye y la reivindicación del épico final de Resident Evil: La resurrección (Resident Evil: Afterlife, 2010) parecen ser las antípodas del planteo de una guerra. 

Con varias sorpresas y vuelcos inesperados, Resident Evil 5: La venganza es ideal para disfrutarse en la pantalla grande y en 3D y siempre fiel a su premisa: una audaz mezcla de apocalipsis, chicas sexys, zombies y una muy buena banda sonora en una trama excelentemente contada en cada entrega, que sigue dejando finales abiertos.

4/5    
SI


Ficha técnica:

Título Original: Resident Evil: Retribution
Dirección: Paul W.S. Anderson
Guión: Paul W.S. Anderson
Género: Acción, Ciencia Ficción, Terror
Origen: Alemania, Estados Unidos
Duración: 97 minutos
Clasificación: AM 16
Distribuidora: SONY PICTURES
Reparto: Milla Jovovich, Sienna Guillory, Michelle Rodriguez, Ali Larter, Kevin Durand, Meagan Good, Oded Fehr, Bingbing Li

*Crítica escrita para EscribiendoCine

Caballito de batalla

[Review de Caballo de guerra, (War horse, 2011)]

Por Juan Pablo Pugliese

A principios de este año se estrenaron películas que homenajearon a grandes clásicos y realizadores del siglo pasado. Fue el caso de Martin Scorsese con La invención de Hugo Cabret (Hugo, 2011) y el francés  Michel Hazanavicius con El artista (The artista, 2011). Pero Steven Spielberg no quiso quedarse afuera y deslumbró con su visión de la Primera Guerra Mundial en Caballo de guerra.

Es en esta cinta que Spielberg supo combinar su lado bélico, de Rescatando al soldado Ryan (1998) y La lista de Schindler (1993), con su costado inocente e infantil que relució en E.T (1982). Y como si esto fuera poco, pueden notarse también reminiscencias de Más corazón que odio (1956) de John Ford. 

Corre el año 1914 y Europa se encuentra en los albores de la Primera Guerra Mundial. Los Narracott adquieren un caballo para trabajar la tierra y será el hijo quien entrene a Joey para arar el campo. La situación económica se torna insoportable y finalmente deberán vender el caballo al ejército inglés para hacer frente a sus deudas.

De ahí en más, Joey deberá atravesar el mismísimo infierno para reencontrase con su dueño. La belleza visual primero de los campos ingleses y luego el horror que refleja Spielberg en los campos de batalla lo colocan nuevamente como uno de los mejores realizadores contemporáneos.  

Sin embargo, a diferencia de Munich (2005) y la nombrada Rescatando al soldado Ryan, las muertes que van sucediendo a causa de la guerra no son mostradas en un primer plano. Tienen lugar fuera de cuadro y es ahí donde Spielberg se luce. El salto de los caballos sobre el alambre de púas sin sus jinetes o un molino que con sus hélices nos ocultan un fusilamiento son brillantes elecciones narrativas.

Además, el inmortal John Williams presta su música en la que por momentos transmite alegría para pasar a las escenas bélicas y reflejar el horror del campo de batalla. También merece ser destacado el uso de la fotografía que, a manos de Janusz Kaminsky, no pasa desapercibida y sobresalen tonos marrones que hacen del final un cierre épico.  

Y si bien el protagonista es Joey, el elenco compuesto por seres humanos está a la altura del proyecto. Jeremy Irvine compone al joven que entrena al caballo y que jamás baja los brazos ante las dificultades que se interponen en el camino. Emily Watson y Peter Mullan dan vida a sus padres y David Thewlis es Lyons, el dueño de la granja en donde trabaja la familia. 

Por otro lado, Tom Hiddleston (Loki, el hermano de Thor) y Benedict Cumberbatch (Sherlock de la serie de BBC) le prestan el cuerpo a dos militares ingleses que por desgracia aparecen muy poco tiempo en la cinta.  

Todos estos factores hacen de Caballo de guerra una película que confirma la teoría de que tipos como Steven Spielberg nacen cada cien años. El pulso para contar historias y llevar adelante la acción hace que los 140 minutos de duración pasen rápido y tengamos como resultado una película épica. Una de esas que no se ven todos los días. 

4/5
SI



Ficha técnica:

Título Original: War Horse
Dirección: Steven Spielberg
Guión: Lee Hall, Richard Curtis.
Estreno (Argentina): 16 de febrero de 2012.
Género: Drama
Origen: Estados Unidos
Duración: 145 minutos
Actores: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson. David Thewlis, Tom Hiddleston, Eddie Marsan, Celine Buckens, Benedict Cumberbatch, Patrick Kennedy.
Web: http://www.warhorsemovie.com/

My sweet George

[Review de George Harrison: Living in the material world (2011)]

Por Juan Pablo Pugliese

La filmografía de Martin Scorsese puede dividirse en dos partes que son claramente distinguibles. Por un lado, el realizador de ficción reconocido por cualquiera que se autoproclame espectador de cine, y por otro el documentalista que tal vez no sea una faceta muy conocida entre el público en general. 

El primer documental realizado por Scorsese fue El último vals (The Last Waltz, 1978) que retrata la última presentación de The Band en el Winterland de San Francisco en 1976. A las escenas grabadas en vivo, el director intercaló entrevistas y canciones grabadas en estudio. 

Más tarde haría sus aportes sobre el cine del pasado con títulos como El cine americano según Martin Scorsese (1995), El cine italiano según Martin Scorsese (1999) y A Letter to Elia (2010). Y también investigaría sobre sus raíces familiares y su ciudad natal en Italoamerican (1974) y Street Scenes (1970). 

En Public Speaking (2010) mostraría la visión que tiene del mundo la escritora Fran Lebowitz y que hizo de su bloqueo creativo su marca personal, producciones televisivas sobre expresiones musicales estadounidenses como The Blues (2003), documentar el concierto Shine a Light (2008) de los Rolling Stones y la historia de Robert Zimmerman desde sus orígenes en Minnesota hasta alcanzar la fama en 1966 ya conocido como Bob Dylan en No direction home (2005).

En George Harrison: Living in the material World, Scorsese contó con material que le fue cedido por la viuda del ex beatle y el resultado es un documental de tres horas y media de grabaciones caseras, entrevistas a Paul McCartney, Ringo Starr, Tom Petty, los integrantes de Monty Phiton, Terry Gilliam y Eric Idle, Yoko Ono, Olivia Harrison y su hijo Dhany. 

El documental está dividido en dos partes. La primera de una hora y media repasa su infancia en Liverpool, su amistad con Paul Mccartney, el encuentro con John Lennon y el posterior éxito alcanzado con los Beatles. 

La segunda parte de casi dos horas contará su acercamiento a la cultura hindú, su alejamiento de la mítica banda de Liverpool, sus discos solistas, su aporte en el cine y el atentado que sufrió en su casa, entre otras cosas. 

Scorsese logra plasmar la vida de un tipo que a los 22 años tenía todo lo que un ser humano puede anhelar a nivel material pero que en el plano espiritual no alcanzaba una satisfacción plena. Será en sus viajes a la India con los otros Beatles y luego en solitario que se acercará a una cultura que se verá reflejada en toda su obra. 

Además de las entrevistas a los otros dos integrantes de los Beatles, su viuda y su hijo, uno de los puntos más interesantes del documental tiene lugar con el recuerdo de sus amigos de los Travelling Willburys, los productores George Martin y Phil Spector, y Eric Clapton que llevará adelante el relato, junto a la ex esposa de Harrison, Patty Boyd, sobre el triángulo que casi termina con su amistad. 

Living in the material World fue estrenado en el 2011 al cumplirse diez años de la muerte de Harrison como consecuencia de un cáncer de pulmón. Uno de los momentos más emotivos es el que logra Scorsese cuando Ringo Starr cuenta la última vez que vio con vida a Harrison. 

De todos los testimonios conseguidos se desvela esa doble personalidad que tenía aquel tipo que por momentos parecía tímido y callado en su faceta pública pero puertas adentro había un ser interesante y contradictorio que muchas veces se veía frustrado cuando sus aportes eran ignorados. 

En síntesis, Living in the material World se torna de visión obligatoria para aquellos fans de George Harrison y una buena excusa para los que no lo conocen y les gustaría presenciar la vida de uno de los mejores músicos del siglo XX.  

5/5
SI

Ficha técnica:

Título Original: George Harrison: Living in the material world

Dirección: Martin Scorsese

Estreno (Argentina): 5 y 6 de octubre de 2011 en HBO. 

Género: Documental 

Origen: Estados Unidos

Duración: 208 minutos

Intervenciones: Eric Clapton, Terry Gilliam, George Martin, Olivia Harrison, Paul McCartney, Phil Spector, Ringo Starr, Yoko Ono. 

Web: http://www.hbo.com/documentaries/george-harrison-living-in-the-material-world/index.html